agusil

"Meine Werke sind mit Farben entstanden, die ich selbst hergestellt habe, mit der Mischung von Pigmenten und Öl, die es erlaubt, mit den Texturen einer überfließenden und sehr dichten Farbe zu spielen. Dieser manuelle Herstellungsprozess verleiht dem Werk seine eigene Persönlichkeit, da es nichts mit industriell hergestellten Farben zu tun hat.
  In einem Spiel aus kontrastierenden Farben und etwas Gold zeigt es uns den Torso einer Frau, die Sinnlichkeit, Ausdruckskraft und Überschwang ausstrahlt.
Die unscharfen Farbflecken kontrastieren mit den durchdringenden und kostbar modellierten Augen und Lippen, die den vollen Charakter ihrer Figuren offenbaren."

 Um dieses Ergebnis zu erzielen, bedeckt der Künstler seine Leinwände mit resonanten Ölfarben, die er dann mit einem Spachtel oder Pinsel nachbearbeitet. Er ist stark von zeitgenössischen Künstlern beeinflusst, und sein Werk basiert auf der "Aktionsmalerei", einer Bewegung, die die körperliche Leistung des Malers betont. Agusil arbeitet instinktiv mit schnellen und sicheren Gesten und lässt viel Raum für Zufälligkeiten. Da die Farbe mit großen Gesten aufgetragen und oft mit Wasser vermischt wird, läuft sie nach unten, wodurch Reliefs und unerwartete Lichteffekte entstehen und die Schwerkraft und Materialität ihre Gesetze diktieren. Er will sein Unterbewusstsein in den Flecken zum Ausdruck bringen, die auf den ersten Blick zufällig erscheinen, am Ende aber immer einen brillanten, lebendigen Charakter verkörpern.

Heute setzt er seine künstlerische Forschung in seinem Namen fort, und sein Werk entwickelt sich zu immer gesättigten Farben und zu Formen, die sich aus abstrakten Experimenten speisen, ohne dass dabei die Figuration verloren geht ... 

"Ich habe einen Abschluss der Schönen Künste an der Universität von Barcelona gemacht ... Seitdem stelle ich hauptsächlich in Galerien in Frankreich aus, obwohl ich auch in den USA ausgestellt habe. Ich wurde mit dem zweiten Preis für bildende Kunst in Valencia ausgezeichnet."

ahmed mande

Ein Künstler, der seit 2020 in Wien, Österreich, lebt und arbeitet, aber ursprünglich in Uganda geboren und aufgewachsen ist. Ich habe an der Makerere University studiert und einen Bachelor-Abschluss in Bildender Kunst (BFA) erworben. 
Die Kunst ist seit meiner Kindheit meine Leidenschaft.  
Als engagierte Vollzeitkünstler bin ich offen für praktisch alle Themen, wie z.B. Stadtlandschaften, aber meine Arbeit ist vor allem für meine abstrakten Wildtierbilder bekannt.

"Meine Liebe zu Farben spiegelt den Geist meiner Arbeit wider, der sich in einer Energie und Kreativität ausdrückt, die von einem fast unbeschreiblichen Ort ausgeht.
Während des Schaffensprozesses führe ich meine Maltechnik mit verschiedenen Spachtelgrößen, Rollen und Borstenpinseln als meinen bevorzugten Werkzeugen aus, wobei ich Acryl oder Öl auf Leinwand verwende.          
Ich baue eine starke Bindung zwischen dem Betrachter und den gemalten Tieren auf, indem ich mich auf die detaillierte Konstruktion der Augen konzentriere, um die emotionale Verbindung zwischen der stummen Tierwelt und den Menschen zu würdigen. 
Meine Arbeiten sollen Herzen und Seelen berühren und die ganze Welt erreichen. Die Inspiration für meine Bilder kommt aus den Details und Momenten des täglichen Geschehens, wie meiner Kindheit und meinem jüngsten Leben.  
Ich male, weil ich diese Welt nicht verlassen möchte, ohne meine Gabe jemals zu nutzen.
Die meisten meiner Werke wurden in Ausstellungen in den USA, Italien, Spanien, Österreich, Uganda, Schweden, Kenia, Südafrika, den Niederlanden und im Vereinigten Königreich gezeigt."

Art of tadi

Ich bin im Jahr 1986 für Kunst geboren worden in der Slowakei. 
Leben hat seine wunderschönen Fasen in jedem Alter und man kann es täglich begegnen. Die Welt ist ein wunderschöner Ort und wir Künstler machen ihn noch angenehmer. Es besteht alles von Farben, es ist nicht neu. Jeder davon hat eine Bedeutung und Wirkung auf uns, jede Form, jede Struktur … sei offen und visualisiere es rein. Atme meine Kunst ein und las dich mit sanften und harmonischen Farbkombinationen entführen.
 

Inmitten meiner Kunst steht Farbtherapie und Sinn, sehen Strukturen als ein einzigartiges Element. Meine Kunstwerke sind speziell auf dieser Basis geschaffen. Der Zweck ist, deine Sinne zu stimulieren und nicht in letzter Stelle deinen Raum mit Energie auszufüllen. 
Am meisten arbeite ich mit Acrylfarben, Goldrauchfolie und mit vielen Strukturen, die alles nur nicht langweilig sind.  Ich erschaffe immer Kollektionen. So war es z.B.: "Black Aura", "California Collection", "Natural White", die immer limitierte Stückanzahl haben und sind auch immer abgeschlossen. So garantiere ich dir, du bekommst ein Unikat!  

Inspiration nehme ich am meisten aus der Natur. Damit mein Herz für Steinformationen schlägt, Strukturen, die uns die Natur schenkt, gleichzeitig spüre ich starke Anziehung zur industriellen Architektur, Städte, was ich sehr gerne verewige, mit Fotografie, die meine zweite Leidenschaft ist. Was wäre alles verbunden? ... Projekt ist bereits angefangen!  


aspectum lichTbilder

Aspectum bedeutet Blick/Anblick – das entscheidende Momentum in der Fotografie ist es, genau diesen Blick und eine Idee davon zu haben, was aus einem Objekt oder einer Gestalt in der Kunst werden kann. Alltägliche Dinge, die uns permanent umgeben, übersetze ich durch meine Fotografie in Kunst.
Die Freiheit, Perspektiven wechseln zu können, macht für mich den Reiz der künstlerischen Fotografie aus. Diese Perspektivwechsel können Sie auf den Lichtbildern ebenfalls miterleben – bewegen Sie die Lichtbilder zur Seite oder gehen sie bewusst an ihnen vorbei - sie werden die Veränderung im Bild feststellen und können es je nach Licht und Sichtachse neu erleben Hinter Aspectum-Lichtbilder stehe ich Stephan David Küpper langjähriger Journalist und Kommunikator, der immer schon in Bildern gedacht hat – dies habe ich zu meiner besonderen Leidenschaft gemacht. In verschiedenen Ausstellungen wurden meine Lichtbilder bereits gezeigt. Ich arbeite mit Leica und Canon-Kamerasystemen.
Alle Werke können sowohl als Kleinformat aber auch als wandfüllendes Großformat reproduziert werden.

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BARBORA REPKOVÁ

Barbora Repková ist seit ihrer Kindheit ein fantasievoller und sehr kreativer Mensch. Sie begann Gedichte zu schreiben, später hat sie Lieder komponiert. Schließlich ist sie in ihrer Welt voller bunter Geschichten angekommen. Das hat sie auch dazu geführt, dass sie dank Modestudium zu Theaterkostümen kam. So studierte sie an der Theaterfakultät der Akademie der darstellenden Künste in Bratislava, mit den Schwerpunkten Bühnenbild und Kostümdesign. Nach ihrem Studium hatte sie Gelegenheit, sich in Karenz neben ihren Drillingen weiterzubilden und hat den Weg der Malerei gewählt. Jetzt wandelt sie ihre Träume und Fantasie nicht nur in Worte um, sondern bringt diese gerne auch auf Leinwand.


Barbara Repková Kunstwerke haben sich von düsteren Theaterszenen zu heiteren, farbenprächtigen Landschaften entwickelt. Allmählich entwickelte sie ihren Stil und ihre einzigartige Handschrift. Typisch für sie ist die bewusst deformierte Architektur, die ausdrucksstarke Farbgebung und die Vogelperspektive, die selbst die verborgensten Winkel der Stadt sichtbar macht. Die Gemälde enthalten oft Details, die von Witz und Übertreibung geprägt sind oder direkt für den Kunden geschaffen wurden (eine Erinnerung an einen Ort, einen geliebten Menschen, ein Tier usw.) Die Kunden melden sich in der Regel nach langer Zeit bei ihr und sagen, dass sie ein neues Detail in dem Gemälde entdeckt haben.

Über die farbenfrohen Landschaften hat sich ihre Arbeit auch auf die Kinderkunst übertragen, sie malt viele Bilder und Themen, die direkt für Kinderzimmer geeignet sind. Damit ist es ihr gelungen, eine relative Marktlücke zu füllen, denn nur wenige Künstler malen kindliche, verträumte bis surrealistische Themen in großen Formaten mit originellen Techniken. Landschaften und Kindermotive werden meist in Acryl gemalt.

 Die Acrylmalerei wechselt sie gerne mit der Ölmalerei ab, wobei sie sich von der entspannenden Unschärfe der Farben mitreißen lässt. Sie stellt hauptsächlich Natur und Wasser dar. Ein typisches und wiederkehrendes Thema sind Bäume, deren Kronen sich in weite Meere verwandeln.

 Ihre Arbeit ist nicht unbemerkt geblieben, weshalb sie seit einigen Jahren auch Kinderbücher illustriert.

In ihrer Freizeit greift sie auch zu Textilien, stellt handgefertigtes Spielzeug her oder malt auf Seide.







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Calla

"Calla" ist ein vielfältiges Talent. Sie ist in der Slowakei geboren. Dem Jahr 1986. Sie ist aufgewachsen als ein 90's Child mit alles drum und dran und liebt bis heut zutage Retro Sachen, die sie gerne mit ihrem Partner leidenschaftlich sammelt. 

Malstifte und Papier waren ihr nie fremd. Ihre Mutter und Vater haben ihr schon die ersten Skizzen in einer Mappe als wichtige Dokumente gesammelt und Wegrichtung zur Kunst gezeigt.  Studierte Modedesign, Kunst und Kulturgeschichte.
 Es ist schwer, ihre Richtung zu beschränken, weil sie die Schönheit und Kunst überall sieht und sich dazu hält. Die Zeit ist ihre Hauptlinie Comic-Pop Art, wo sie gerne alle ihre Ideen ausleben kann. "Peanuts Collection" ist ihre Herzenssache, dadurch sie als 90er-Kind mit den Comic-Figuren aufgewachsen ist. Trotz ihrer Richtung ist ihre Farbwelt sehr realistisch und gut anpassbar in jeder Einrichtung. 
Zur Hand nimmt sie am meisten Acrylfarben, Graffiti Sprays, Goldblatt Folie, Comics-Ausschnitte, wertvolle retro Poster und antik geografische Karten als Collage und vieles mehr … 
Ihr Ziel ist, Freude zu machen und Erinnerungen auf die wertvolle Kindheit bei jeder Kunde aufzuwecken. 

Und müssen wir sagen, das funktioniert sehr gut!

Cuencas art


Der brasilianische Pop-Art-Künstler Adriano Cuencas hat eine faszinierende Nische in der Kunstwelt gefunden, indem er mit Plakatabrissen und Postern arbeitet, um Werke zu schaffen, die gleichzeitig nostalgisch und zeitgemäss sind. Geboren und aufgewachsen in den belebten Strassen von São Paulo, wurde Cuencas von der lebhaften, südamerikanischen Popkultur geprägt. Seine Kunstwerke sind ein Spiel aus Farben, Formen und Texturen, die aus den Seiten von Comics, Plakaten und Zeitschriften herausgerissen und zu neuen Collagen zusammengesetzt werden.

Cuencas kombiniert seine digitalen Kreationen von Diven, Superhelden und Musikikonen mit explosiven Farben und interessanten 3D-Effekten. Durch seine Arbeit erforscht Cuencas nicht nur die Faszination für Popkulturikonen, sondern auch die Art und Weise, wie diese Figuren unsere kollektive Vorstellungskraft und Identität formen. Seine Collagen sind eine Hommage an die Stars vergangener Zeiten und gleichzeitig eine kritische Reflexion über die Macht der Massenmedien und die Konsumkultur.

Cuencas Werke sind nicht nur visuell ansprechend, sondern auch reich an Bedeutung und Subtext. Sie laden den Betrachter ein, über Themen wie Berühmtheit, Identität und die Beziehung zwischen Hoch- und Populärkultur nachzudenken. Mit seiner einzigartigen Herangehensweise an die Pop-Art, hat Cuencas einen festen Platz in der zeitgenössischen Kunstszene eingenommen und inspiriert Betrachter auf der ganzen Welt dazu, die Grenzen zwischen Kunst und Alltagsleben neu zu denken.

Im Jahr 2018 gelang ihm der internationale Durchbruch und mittlerweile hängen seine Werke von Dubai über Singapur bis nach São Paulo, Wien, Barcelona, New York, Paris, Monaco, Zürich und Frankfurt in Galerien und privaten Sammlungen.

Daniel Martinez

Geboren 1977 in San Jose de Mayo. 

Autodidaktischer Künstler und Fotograf. 
Als Kind nimmt er an Workshops
 im Departamento-Museum von San Jose teil. 
Seine Eltern warenharten einen großen Einfluss auf seine künstlerische 
 Entwicklung, indem sie ihm die Werkzeuge und ihr Wissen weiter gaben. 
Seit 2005 ist er Teil der Werkstatt des Bildhauers Meister Heber Riguetti. 
2006 beginnt er, die Technik der Aquarell intermittierend für die Werke von Graphic Design Illustrationen von Büchern. 
Buchillustrationen. 
2020 Beginnt er, mit mehr Hingabe in Aquarell zu malen und entwickelt eine persönliche Methode und einen eigenen Stil und beginnt 2021, Online-Workshops zu geben, in denen er diesen Prozess Künstlern aus verschiedenen Teilen der Welt beibringt. 
2021 beginnt er, Workshops zu geben in den Werkstätten renommierter Künstler aus Uruguay, Argentinien und Marokko. 
2022 wird er zum internationalen Kulturbotschafter für Rockwell Canada und Golden Maple ernannt.

Ausstellungen: 
2015 Espacio Cultural de San Jose, Uruguay. 
2020 Kunstgalerie Juan Palleiro, Montevideo, Uruguay. 
2022 IWS Aquarellfestival Madrid, Spanien. 
2020 Maccio-Theater von San Jose, Uruguay. 
2021 Maccio-Theater von San Jose, Uruguay. 
2021 Kulturraum San Jose, Uruguay. 
2022 Paseo de las Artes San Isidro, Buenos Aires, Argentinien. 
2023 Einzelausstellung im Cantegril Country Club, Punta del Este, Uruguay. 
2023 wird er zur "Ersten internationalen Ausstellung" eingeladen. 
Internationalen Aquarell-Ausstellung von 
Baohong“. 
2023 Eingeladen zur "Internationalen Kunstausstellung der Kunst", organisiert vom Kulturbüro der Stadt Datong City, China. 
2023 Österreich, Wien. Einzelausstellung in der Rhino-ART Galerie. 
2023 Eingeladen zur Teilnahme an der Gruppenausstellung Arbeit und Wunder: Zwei Jahrhunderte LDS-Kunst. LDS-Kunst' "Museum für Kirchengeschichte, Salt Lake City, Utah.

eric doisy

Der aus Lille stammende Eric DOISY ist ein französischer Autodidakt. Nach einer Ausbildung zum Innenarchitekten entschied er sich für eine künstlerische Laufbahn. Als leidenschaftlicher Designer kreiert er seine eigenen Lichtskulpturen (Beleuchtung) und lebt mehrere Jahre lang von seiner Kunst. Durch Begegnungen entdeckt er 2017 die Spritztechnik und wendet sich der Malerei zu. Der Künstler beginnt, seine Werke auszustellen und richtet sein Atelier an der Opalküste ein, in einer ehemaligen Kunstschule, die zu einem Ort des Schaffens geworden ist. Seine Werke werden auf zahlreichen Ausstellungen in Frankreich und Belgien gezeigt.

Als großer Bewunderer der rohen und naiven Kunst schätzt Eric DOISY besonders die Werke von JM Basquiat, Martine Lusardy und Jean Dubuffet. Er integriert in seine Werke eine Anspielung auf die Art Brut, die zu seinem Markenzeichen geworden ist. Als neugieriger Autodidakt zögert der Künstler nicht, zu experimentieren und Techniken und Medien zu mischen. So charakterisiert er seinen Stil als "hausgemachte Straßenkunst". In der Tat verwendet er die Techniken der Straßenkunst (Graffiti, Schablone, Collage ...) und kombiniert sie mit traditionelleren Medien wie Leinwand, Karton oder Holz. Seine Werke zeigen im Vordergrund eine besorgte, amüsierte, traurige oder lächelnde Figur sowie einen Hintergrund, der aus Collagen, Abziehbildern und Acrylfarbe besteht.

2Fast - kresimir buden

Geboren in Zagreb, der Hauptstadt Kroatiens. Nach Abschluss der Schule für angewandte Kunst und Design beginnt er als Grafikdesigner und Illustrator zu arbeiten. Mitglied der Kroatischen Gesellschaft unabhängiger Künstler (HZSU) und des Kroatischen Verbands Bildender Künstler für Angewandte Kunst (ULUPUH).
Seit 1988 beschäftigt er sich mit Graffiti (Spitzname 2Fast), einer der Gründer der kroatischen Graffiti-Szene, und nimmt an vielen nationalen und internationalen Ausstellungen und Jams teil. Er ist ständig auf der Suche nach neuen Formen, Bewegungen und Techniken und erforscht Medien und Materialien. Seit einigen Jahren verwandeln er Straßengraffiti in dreidimensionale Objekte, die durch die Verwendung ihrerseiner Zeichen-Ikonographie (Pfeile, Zahlen und Buchstaben) die zweidimensionale Oberfläche physisch verlassen, indem sie in den Raum eindringen und in der Bewegung der Krümmung und Rotation schweben, wodurch eine ungewöhnliche und innovative Dimension der Graffiti-Kunst entsteht. 2Fast gehört zu der kleinen Gruppe von Graffiti-Künstlern, die ihre jugendlichen Frustrationen und ihr Potenzial nicht in schnelle und leichtfertige Vandalisierung von öffentlichem Eigentum kanalisiert haben, sondern die Schule für angewandte Kunst und Design abgeschlossen und mit 18 Jahren begonnen haben, als Designer zu arbeiten. In diesem Sinne landete er auf der anderen Seite des Zauns und übernahm die Denkweise akademisch gebildeter Künstler wie Keith Haring oder Jean-Marie Basquiat, die dafür bekannt sind, dass sie sich von der rohen kreativen Energie der Graffiti-Amateure inspirieren lassen und die ästhetischen Formen und Stilelemente des Genres übernehmen, so Dr. sc. Darko Bekić in seinem Vorwort zu einer seiner Einzelausstellungen.

maria marta morelli

Ich interessiere mich sehr für den Zyklus der Zeit und betrachte mich als Umweltmaler, der sich auf die Schönheit von Mutter Natur konzentriert.
Ich finde die Schönheit jedes natürlichen Objekts unter natürlichem Licht, und ich kann nicht anders, als sie zu malen und jedes Detail, das ich sehe, darzustellen. Starke Kontraste zwischen Licht und Schatten sind ein visueller Effekt, den ich benutze, um die Aufmerksamkeit des Betrachters zu erregen und ihm dann eine extreme Realität zu zeigen.
Am besten gefallen mir Kompositionen, die eine Vielfalt an Farben und Formen aufweisen, mit Blumen, die zu verwelken beginnen, kombiniert mit frischeren und knospenden, die die Schönheit jeder Lebensphase zeigen.
Das Sonnenlicht ist ein wichtiges Element in meinen Bildern, das die Kraft des Lichts zeigt, ohne die wir nicht leben können.
Ich wähle meine Modelle sorgfältig aus und bereite die Kompositionen im Sonnenlicht der sommerlichen Sonnenuntergänge vor. Obst, Gemüse und Blumen haben in ihrer Vielfalt und ihren natürlichen Unvollkommenheiten eine unglaubliche visuelle Sprache, so dass ich einige Stunden damit verbringe, sie zu beobachten und den besten Blickwinkel und das beste Arrangement für sie zu finden. Das Fotografieren ermöglicht es mir, während des gesamten Malprozesses, der 1 bis 2 Monate dauert, ein Referenzbild zu haben.  
Für mich bedeutet die Arbeit im Stil des Realismus, dass ich das Motiv im Geiste in kleine Teile zerlege, wie ein Puzzle. Ich kann die Informationen, die mir diese Teile geben, wie Farbe, Wert, Sättigung in kleinen abstrakten Formen verarbeiten.

Markus haub

Markus Haub ist in Deutschland geboren, studierte Transportation Design an der Hochschule für angewandte Kunst in Pforzheim und arbeitete mehrere Jahre in Barcelona für Volkswagen und Renault in deren Designstudios. Seit 2007 konzentriert er sich hauptsächlich auf seine Kunst und stellt seine Bilder derzeit in Galerien in Spanien, England, Österreich und Deutschland aus.
Im Jahr 2020 gründete er das "Studio H49", seinen Galerie- und Atelierraum in Mainz/  Deutschland, wo er seine Arbeiten kreiert und ausstellt.
In seiner Kunst kombiniert er digitale mit manuellen Techniken, Fotografie und Collage mit leuchtenden Acrylfarben, Spray und Lack und schafft so etwas völlig Neues. Die Hauptthemen sind Stadtansichten von New York, Barcelona oder Mainz und auch Oldtimer, die seine große Leidenschaft sind. Im Jahr 2008 startete er die Serie "Racing Legends", die mittlerweile mehr als 1000 Stück umfasst und immer noch fortgesetzt wird. Seine Motive findet er auf Rallyes oder Treffen in ganz Europa.

Norbert Szabados

NORBERT SZABADOS, Maler (Siófok, 1974 - )

Sein Credo: "Die Wirklichkeit ist die Wirklichkeit selbst".

Er wurde in Siófok geboren und verbrachte dort seine Kindheit.

Sein Talent wurde bereits in seiner frühen Schulzeit bemerkt.

Er bewarb sich um eine Stelle als Hausmaler, wurde aber nicht angenommen.

Er wurde mit der Begründung abgelehnt, er habe keinen Geschmackssinn. Er ging nach Deutschland und arbeitete jahrelang als Straßenporträtmaler, aber statt mit Graphit, schuf er seine lebensgroßen Porträts mit Pinsel und Farbe. Auf diese Weise entwickelte er - autodidaktisch - seinen eigenen, individuellen Malstil. Sein Talent und sein Gespür wurden bald entdeckt. Er strebte immer nach Realismus und begann dann, unter Beibehaltung dieses Realismus, eine dynamische und brillante Technik zu verwenden, um menschliche Gefühle, Emotionen und individuelle Eigenschaften noch besser auszudrücken.

Er schafft seine Porträts mit sicherem technischem Können und erstaunlichen Farbkombinationen.

Seine Porträts  hängen in den Häusern vieler berühmter  Persönlichkeiten und Künstler wie 

 István Vágó, Béla Paudits, die Präsidentin der Republik Katalin Novák, die Sängerin Ildikó Keresztes, die Opernsängerin Erika Miklósa, die Schauspielerin Patrícia Kovács, die mit dem Kossuth-Preis ausgezeichnete Opernsängerin Ildikó Komlósi, Bill Gyula Deák, Gábor Bochkor, der Torwart von Real Madrid Thibaut Courtois, Johnny Depp ... und viele andere.

Seine Kunst: Sie hat eine ausgeprägte Absicht, atmosphärische Effekte zu schaffen. Seine technischen Kenntnisse und sein Umgang mit Farben sind beeindruckend, seine Pinselführung sicher. Seine Bilder sind meist in Acryl und Öl auf Leinwand gemalt.

Stil, nach seinem Namen und seinem freiheitsliebenden Charakter nannte:
"Szabad Realizmus, also Freier Realismus".



pappay

Als Kunstliebhaber, der gerne lernt und mit verschiedenen kreativen Techniken experimentiert, besuchte PAPPAY nacheinander mehrere Kunstschulen, bevor er 2008 in Marseille sein nationales Diplom für visuellen Ausdruck erwarb. Als Grafikdesigner tauschte er 2013 seine digitalen Werkzeuge gegen Spraydosen und Leinwände ein, um zu seiner "ersten Liebe", der Malerei und den Graffiti, zurückzukehren. Im Laufe der Jahre hat der junge Künstler gelernt, mit Einfachheit und Enthusiasmus einen dynamischen Eindruck von Sensibilität zu schaffen, der das menschliche Leben in seinem Reichtum und in seiner Vielfalt verkörpert.
Der bildende Künstler, der sich sowohl von der Architektur und dem Grafikdesign als auch von allen Formen der Street Art inspirieren lässt, hat ein einzigartiges Universum erfunden, das die Spuren des Menschen in seiner Umgebung aufzeigt. Ausgehend von Freihandzeichnungen, die er anschließend mit Farbprojektionen überarbeitet, versucht PAPPAY, die menschliche Unruhe durch die bildliche Darstellung ihrer menschenleeren Wirkungsstätten darzustellen. In einem fairen Spiel der Umkehrung des Subjekts, um eine Atmosphäre besser zu übersetzen, werden Hotelfassaden, Strandhütten, Reisewagen usw. nach dem Willen des Künstlers zu symbolischen Zeugen unseres hektischen Lebens.

patricia frida

Ihre Lebensorte liegen weit voneinander entfernt. Sie ist eine Zeitreisende mit vielen unterschiedlichen Leben. Ihre Träume von diesem Leben werden zu Themen ihrer Bilder. 

Als Visagistin in Paris, als Mode Fotografin in Tokio oder als oder als Künstlerin in New York. Gesichter, vor allem Frauengesichter waren immer wichtig und inspirieren ihren Werken. 
Dieser Welt liegt jenseits unserer physischen Wahrnehmung. Mit der Sichtbarmachung dieser uns unbekannten Raumformen führt uns die Künstlerin nicht bloss an einen Un-Ort oder ein Nirgendwo, sie verursacht damit Unruhe, Melancholie und Verlorenheit. 
Gestärkt werden dieses Wahrnehmungsgefühle durch den scheinbar nicht vorhandenen Faktor Zeit. Fast so als würde die Zeit stillstehen, als wäre Jegliches Außenwelt verlangen.  Die Gesichter schauen abgewandt und doch eindringlich in einen weiten Raum, der aus arrangierten Farbflächen besteht. 
Die Kunst von Patricia Frida nennt man mixed media. Collagen, Photoshop, verschiedene Papierarten, eingearbeitete Blätter, die sie aus Indien von Bod Gaya, des Baumes Buddha’s der Erleuchtung als Geschenk entgegen nahm. Alte Postkarten, heruntergerissene Plakate, ausgeschnittene Landkarten, alte Bücher, Goldblättchen aus Thailand. Endlose, verlorene und gefundene Geschichten. 
Ihre Reisen werden verewigt, Wörter, die man nicht mehr lesen kann, da sie überarbeitet wurden, sie werden als messenger hinausgetragen. Patricia Frida ist überzeugt, dass sie ihren Platz wenn Zeitpunkt gekommen ist finden oder auch gefunden und ausgesucht werden. Es gibt keine Zufalle. 
Abrakadabra kommt aus der aramäischen Sprache was Wort wörtlich bedeutet „I will create as i speak“. 


pawel bielec

Künstler, Maler, Grafiker und Bildhauer,
Absolvent des WSPiM im Bereich Marketing
und der Fakultät für Grafik an der Deutschen POP Akademie in Wien. Teilnehmer vieler Ausstellungen und Wohltätigkeitsauktionen. Gewinner eines renommierten Kulturpreises
"Goldene Eule" auf dem Gebiet
der bildenden Kunst.
Seit fast zwanzig Jahren lebe und arbeite
ich in Wien, wo ich derzeit meine künstlerischen Aktivitäten kooperiere mit Wiener Kunstgalerien
und philanthropischen Organisationen.
Mein künstlerisches Credo ist Vielfalt.
Verschiedene Maltechniken ermöglichen mir mit Acryl, Ölfarben und Pastellbleistiften meine Kompositionen auf Papier und Leinwand zu bringen.
Meine Werke sind sowohl schwarz-weiß, als auch Farben explodierend.
Seit kurzem beschäftige ich mich auch sehr intensiv mit Metall Skulpturen und Recyclingprodukten die ich in meinen Skulpturen neu aufleben lasse.
All meine Inspiration und meine Visionen hole ich mir aus dem Alltag.
Meine Motive sind sowohl Mensch als auch Tier und ein ganz wichtiger Teil auch die Musik.

rastislav malár

Als ich anfing zu malen, war meine Inspiration zunächst mein Inneres. Ich malte in Öl und es war eine Art Surrealismus ... figurative Emotionen, ein Blick in mein Inneres. Es waren schwierige Arbeiten, die mir halfen zu entkommen, aber ich spürte keine Veränderung in meinem Werk. Deshalb kam die Veränderung in meiner Arbeit. Ich fing an, mit Bleistift zu zeichnen, das ist eines meiner Lieblingsmedien. Ich ließ mich zum Teil von der Welt um mich herum inspirieren und fügte ihr meine Fantasie hinzu. Jedes Bild war eine Konfrontation des Erfassbaren mit dem Unfassbaren. Realität durchdrungen von Geist. Eine Stadt in der Luft, die auf Rädern durch den Himmel fährt, sich bewegende Gebäude, die in das Innere der Erde wachsen und sich in Kreaturen verwandeln.
 Heute mache ich eine Tuschezeichnung in Kombination mit Aquarellfarben. Meine Inspiration ist die Welt selbst. Man kann alles auf unendlich viele Arten malen. Ich versuche, den Moment so einzufangen, wie er ist, aber auf eine Weise, die mir Spaß macht. Meine Bilder sind schnell, im Idealfall erreichen sie die Verschlusszeit einer Kamera. Je schneller, desto weniger Zeit für den Verstand. Letzteres kann die Authentizität beeinträchtigen. Die Art des Schmelzens ist für mich heute eine Form der Meditation. Es gibt nichts außer Stille, Pinsel, Farben, Papier .... und manchmal nicht einmal das.

rodovaldo clavijo velez

Rodovaldo Clavijo Vélez ist ein kubanischer Künstler, der derzeit in Deutschland lebt. 2005 machte er seinen Abschluss an der San Alejandro Fine Arts Academy, einer der wichtigsten lateinamerikanischen Akademien und der zweitältesten in Amerika. Er hat seine Werke in vielen Galerien und verschiedenen Ländern wie Spanien, USA, Mexiko, Argentinien, Kuba, Deutschland und Großbritannien ausgestellt und an wichtigen Biennalen wie der Havanna Biennale (2012 und 2015), der Liverpool Art Fair in den Bridewell Studios (2012) und der Biennale von Venedig (2015) im Rahmen der Sammlung Imago Mundi von Luciano Benetton http://www.imagomundiart.com/artworks/rodovaldo-clavijo-velez-i-have- gold teilgenommen. Derzeit ist er als unabhängiger Künstler tätig. In seinen Werken überwiegen Köpfe und Büsten verschiedener Personen. Er verwendet gesättigte und intensive Farben, die zu "schreien" scheinen, während sie darauf warten, aus dem Rahmen zu kommen. Die Farbflecken auf der Leinwand wirken wie eine Collage; sie kritisieren die mit der Hautfarbe verbundenen Ungleichheiten und zeigen, dass alle "farbig" sind, dass wir alle gleich sind, jenseits von Reichtum oder Bildung ... Auf diese Weise will der Künstler unterstreichen, dass es keine sozialen oder rassischen Unterschiede gibt.

Sabine losacker

Die Themen Leichtigkeit und Unbeschwertheit stehen in meiner Serie "Wasserwelten" im Zentrum  der Aufmerksamkeit. Im Wasser habe ich ein Element entdeckt, in dem ich beides finden kann.

 Die Faszination des Wassers zieht sich bereits seit langem wie ein roter Faden durch mein Leben und auch durch meine künstlerische Entwicklung. In meiner Serie „Wasserwelten“ untersuche ich nun genauer, wie das Spiel von Licht und Schatten sowie abstrakten Reflexionen auf und unter der Wasseroberfläche den Menschen im Wasser in einem ebenso abstrakten und sorgenfreien Umfeld zeigen. 

Während der Pandemie habe ich diesen Raum für mich wiederentdeckt und gleichzeitig einen neuen visuellen Schaffensraum eröffnet. Der Mensch im urbanen Kontext - hier darf er ganz für sich sein.

 In meiner Kunst steht immer der Mensch im Mittelpunkt. Auf meinen Bildern findet man nur einzelne Personen. Ich versuche sie in alltäglichen Situationen einzufangen, so dass sie wie festgefroren im Augenblick wirken, in einer Situation, aus der sie sich scheinbar nicht befreien können. 

 Durch das Projekt über BRÜCKEn, das sich mit der Bedeutung des Begriffes „Teppich“ auseinandersetzt, habe ich die Möglichkeit, die Isolation des Einzelnen noch intensiver hervorzuheben. Die Teppiche, auf denen die Personen sitzen oder die sie umgeben, verstärken noch einmal mehr die Isolation des Einzelnen bzw. schränken auch noch zusätzlich deren räumliche Freiheit ein …

 

 

serge rat

Seit seiner Kindheit in Paris zeichnet Serge leidenschaftlich gerne. Die weiße Leinwand wurde zu seiner bevorzugten Ausdrucksfläche. Als er die Pastellkreide entdeckte begann er, Farbe in seine ersten autodidaktischen Werke zu integrieren. Nach einer Ausbildung in verschiedenen Workshops verfeinerte der Künstler seine Kunst, bevor er der Liga der Pastellmaler in Frankreich beitrat. Anfang der 1990er Jahre wurde der Nationale Verband französischer Künstler auf seine Arbeiten aufmerksam und lud ihn ein, auf zahlreichen Kunstmessen auszustellen. Nachdem er mehrere Auszeichnungen erhalten hatte, begann er, mit dem Maler Ben Ami Koller und der Gruppe der Grafiker von Montreuil zusammenzuarbeiten. Serge wendet sich dann an die Marais-Maler in Paris. Er arbeitet mit verschiedenen Galerien in der französischen Hauptstadt zusammen und stellt auf dem Kunstmarkt von Montparnasse aus. Der Maler nimmt auch an internationalen Ausstellungen in Luxemburg, Deutschland und Spanien teil.

Die grauen Figuren in Serges Gemälden heben sich ab, um die Dichte der Existenz zur Explosion zu bringen, während das Weiß ringsum das Geheimnis der verschiedenen Lebenswege verstärkt. Das Auge konzentriert sich auf jede Figur. Was ist sein Hintergrund? In welcher Umgebung bewegt er sich? Die Fragestellung ist sehr modern, aber die Antworten gehören dem Betrachter. Aus Liebe zu den Pigmenten fügt Serge dann verschiedene Materialien und Elemente hinzu, um seine Neugierde zu vervollkommnen und alle Zwänge zu überwinden. Auf diese Weise bleibt seine Leidenschaft gegenüber der Leinwand ungebrochen. Nach einer langen Reise in die Welt der Pastelle hat der Künstler andere Bereiche erkundet, bis er sein Medium, die Acrylfarbe, gefunden hat, die es ihm erlaubt, seine Arbeit mit größerer Freiheit auszuführen. Als Erforscher der Technik verändern sich seine Gesten, aber sein Geist bleibt seiner Inspiration treu: die Begegnung von Wesen in ihrem Wunsch zu existieren.

sonja neumann

Zunächst studierte ich Sport und gründete anschließend eine Eventagentur, entschloss mich aber 2005, mich der Kunst und Kreativität gänzlich zu widmen. Künstlerisch geprägt durch meinen Vater suchte ich bestimmt 10 Jahre nach meinem eigenen Stil, las Bücher, studierte Techniken, hörte mir Vorträge an. Bis mir 2015 das Buch von Carol Marine “How to become a Daily Painter” in die Hand fiel. Dies war der Startschuss zu dem Motto “Paint small and often”: ein Jahr lang malte ich 5 kleine Ölbilder in der Woche. In Amerika gibt es bereits hunderte Daily Painter, die kleinformatigen Bilder sind dort längst Sammlerobjekte geworden. Das Daily Painting hat meine künstlerischen Fertigkeiten sehr geprägt. Deshalb freue ich mich sehr, dass ich zusammen mit meiner Künstler-Kollegin Doris Schulz-Pätzold 2023 unsere Daily Paintings Online Galerie ins Leben gerufen habe. Damit auch im deutschsprachigen bzw. europäischen Raum die kleinen Kunstwerke zu Sammlerobjekten werden. Neben den kleinen male ich natürlich häufig auch größere Formate, die „Menschen im Flow“ zeigen. Wollen wir nicht alle glücklich sein und ein Leben mit möglichst vielen Flow-Momenten haben? Meine Kunst wird dir dabei helfend zur Seite stehen und dich daran erinnern, öfter und bewusster dieses Leben anzustreben. Mit meinen Bildern halte ich schöne Momente fest! „Wir sammeln keine Daten, wir sammeln Erlebnisse!“ Der Blick aufs Meer, in die Wellen, auf die Berge, Momente mit Freunden oder der Familie … in Öl umgesetzt kannst du sie in deinen eigenen 4 Wänden festhalten!





shokkobo

Shokkobo ist ein Künstlerduo, das von der Popkultur beeinflusst wird. Das Künstlerduo lebt in Frankreich in Aix-en-Provence. Als Kinder der 80er Jahre hat das Duo Shokkobo in einer sehr reichen Film-, Kunst- und Bildkultur gebadet. Das Duo bringt hier seine Interpretation popkultureller Referenzen ein, indem es sie auf eine spielerische und ultrabunte Weise neu interpretiert.

Alltagsgegenstände, die plötzlich in den Rang von Kunst erhoben werden, entfalten in ihren Bildern ihr ganzes Potenzial als begehrenswerte und anziehende Bilder.
Ihre Arbeit ist sehr instinktiv und appelliert an das Kind in uns allen, mit Farbe, Freude und Authentizität als Leitmotiv.

steffi Coupette

Schon als kleines Mädchen war Steffi von der großen Farbpalette der Natur fasziniert: die Intensität des Sonnenuntergangs, das Spiel von Licht und Schatten an Regentagen ... Diese Leidenschaft für Farben sollte ein wesentlicher Bestandteil ihres Lebens werden. Berufliche Entscheidungen führten sie von ihrer künstlerischen Berufung weg und sie begann eine Karriere im Bankwesen in Köln. Doch von 1990 bis 1998 studierte sie in der deutschen Stadt Malerei und Zeichnen. Im Jahr 1998 zog sie mit ihrem Mann nach Asien. Ein Jahrzehnt lang reiste sie durch China (Taiwan, Hongkong und Shanghai) und verbrachte einige Zeit in Singapur. Weit weg von ihrer Heimat kehrte sie allmählich zu ihrer Leidenschaft zurück. Von 2002 bis 2003 besuchte sie Intensivkurse, um ihre Kenntnisse im Zeichnen und Aquarellieren zu perfektionieren. Im Jahr 2005 entdeckte sie die Acrylfarben, die bald zu ihrem bevorzugten Medium wurden. Ihre ersten Arbeiten stellte sie 2006 in Shanghai aus. Zurück in Deutschland, arbeitet sie seit 2009 im Atelier von Klaus Gollan. Zurzeit lebt und arbeitet sie in Leverkusen, in der Nähe von Köln.

Zu Beginn ihrer künstlerischen Laufbahn wurde Steffi vom Expressionismus des deutschen Malers August Macke beeinflusst. Obwohl sich ihr Stil veränderte, blieb die Farbe das Herzstück ihrer Arbeit. Steffi wird durch die Erinnerung an ihre Vergangenheit in Asien inspiriert. Sie liebt die Atmosphäre von sich verändernden Stadtlandschaften. Sie malt, indem sie Farbschichten übereinander legt, um ihrem Werk Tiefe zu verleihen. Anschließend verwendet sie Pinsel und Schwämme, um die Intensität der Acrylfarbe zu verstärken. Steffi bevorzugt die Verbindung von Gegensätzen (horizontale und vertikale Linien, warme und kühle Töne ... ). In ihren abstrakten Kompositionen steht die Strenge der geometrischen Linien in starkem Kontrast zur Intensität der Farben. Ihre Werke sind lebendig und leuchtend und strahlen in einer Harmonie von perfekt kontrollierten Tönen aus.